Künstler sind Freiberufler – sie gehören zu den am schlechtesten bezahlten und strukturell am wenigsten unterstützten Berufsgruppen. Was in der Kunstszene geschieht, spiegelt wider, was in der gesamten freiberuflichen Wirtschaft geschieht.

Warum Kunst wichtig ist
Ohne Kunst verlieren wir das, was uns menschlich macht. Kunst schafft Sinn, doch was weniger beachtet wird, ist, dass Sinn die Grundlage dessen ist, in was wir investieren. Ohne Sinn bricht jede Möglichkeit nachhaltigen Gewinns zusammen.

Wachstum erfordert Ressourcen Kunst
zu schaffen erfordert Wachstum. Wachstum erfordert Ressourcen. Bitten Sie einen Angestellten, seinen sicheren 9-to-5-Job aufzugeben, um ein eigenes Unternehmen zu gründen, und Sie werden sehen, wie destabilisierend dieser Übergang sein kann. Fragen Sie einen Autor, was es braucht, um ein Buch zu schreiben. Kunst erfordert diese Art von Transformation kontinuierlich. Sie stellt Komfort, Identität und Macht in Frage. Die Frage, ob Kunst essenziell ist, legt oft eine vererbte, verborgene Überzeugung offen, dass Wachstum an sich optional ist.

Ein System, das auf Sichtbarkeit, nicht auf Nachhaltigkeit ausgelegt
ist Förderstrukturen begünstigen häufig individuelle Leistungen und institutionell sichtbare Arbeiten – während Projekte, die auf sozialer Wirkung, psychischer Gesundheit und gesellschaftlicher Transformation basieren, mit größeren Hindernissen für ihre Nachhaltigkeit konfrontiert sind. Ein weiterer Teil des Kunstökosystems wird durch Weitervergabe von Fördermitteln und steuerlich absetzbare Spenden aufrechterhalten. Während Großzügigkeit unerlässlich ist, tritt Strategie hinter Verlässlichkeit zurück. Kunst wird rhetorisch gefeiert, strukturell jedoch abgewertet, wodurch kollektive und beschäftigungsbasierte Modelle trotz ihres Potenzials für langfristige Stabilität und dringende Wirkung unterfinanziert bleiben.

Wie sich Prekarität festsetzt
Infolgedessen schwächt sich die langfristige Beschäftigung ab und Prestige ersetzt den Wert. Fundraising-Narrative und hohe Ticketpreise – oft durch institutionelle Produktionen normalisiert – werden fälschlicherweise als Zeichen künstlerischer Legitimität angesehen, während die Künstler*innenvergütung stillschweigend aus den strukturellen Budgets in den Ticketverkauf und das Fundraising verlagert wird. Mit der Zeit wird Prekarität verinnerlicht. Künstler*innen fühlen sich unter Druck gesetzt, sich anzupassen, durchzuhalten, unbezahlte oder unterbezahlte Arbeit zu akzeptieren, weil „die Mission zählt“. Und obwohl dies zutrifft – wird die Mission routinemäßig als ausreichende Vergütung dargestellt, als ob Sinn und Bedeutung Löhne ersetzen könnten. Unentgeltliche Arbeit wird zu einer moralischen Erwartung statt zu einer ethischen Lücke, die ein systemisches Umdenken erfordert.

Die menschlichen Kosten
Wenn Prekarität verinnerlicht wird, wirkt sich das auf die künstlerische Identität aus. Künstler setzen Überleben an die Stelle von Wert, und diese Erosion schafft Trennung und Reibung innerhalb der Gemeinschaften. Das Vertrauen bricht zusammen. Zusammenarbeit weicht Ressentiments. Mit der Zeit untergräbt chronische Unterbezahlung das Urteilsvermögen selbst. Künstler verlieren die Fähigkeit, zwischen ausbeuterischer Ausbeutung und echten Wachstumschancen oder langfristigen Investitionen zu unterscheiden.  Sie entfernen sich voneinander – nicht weil es ihnen an Großzügigkeit mangelt, sondern weil sie sich missbraucht, erschöpft und entbehrlich fühlen. Wenn sich die Möglichkeiten verringern, lenken Künstler ihre Aufmerksamkeit darauf, Beziehungen zu pflegen und im Ökosystem präsent zu bleiben, oft auf Kosten einer nachhaltigen kreativen Entwicklung. Selbst wenn Künstler vergütet werden, kann das Fehlen nachhaltiger Ressourcen und Infrastruktur langfristige Stabilität unmöglich machen.

Ein Rahmenwerk für eine andere Ära
Ein Großteil dieses Schadens liegt in der Art und Weise begründet, wie die Kunstförderung gestaltet ist. 

Die Fördermodelle, auf die wir uns stützen, wurden für eine frühere Ära der Kunst entwickelt – eine Ära, in der Objekte, Ausstellungen und individuelle Urheberschaft im Mittelpunkt standen. Diese Arbeit ist nach wie vor unverzichtbar und prägt die Kultur weiterhin auf bedeutende Weise. Doch diese Strukturen haben sich nicht vollständig an die Art von Arbeit angepasst, die Gemeinschaften heute benötigen: Arbeit, die beziehungsorientiert, langfristig angelegt und im kollektiven Wohlbefinden verwurzelt ist. Hier geht es nicht um Schuld, sondern um Passgenauigkeit. Wenn sich das System nicht gemeinsam mit den Menschen weiterentwickelt, denen es dient, entstehen Lücken – nicht weil eine Kunstform wertvoller ist als eine andere, sondern weil der Rahmen nicht dafür geschaffen wurde, das gesamte Spektrum der künstlerischen Arbeit zu erkennen, das heute stattfindet.

Kreatives Unternehmertum ist echte Arbeit
Das derzeitige System der Kunstförderung behandelt Unternehmertum oft als nicht nachweisbar und bevorzugt vertraute Rahmenbedingungen und vorhersehbare Ergebnisse.

Echtes Unternehmertum ist nicht leichtsinnig – es ist ein von Natur aus experimenteller Prozess aus Versuch, Iteration und langfristiger Vision.

Und wenn wir von kreativem Unternehmertum sprechen, meinen wir Künstler*innen, die innerhalb ihrer Gemeinschaften neue Modelle der Problemlösung entwickeln – eine Arbeit, für die es oft keine Vorbilder gibt. Da sich diese Art von Arbeit schrittweise entfaltet, kann es für bestehende Systeme schwierig sein, sie anzuerkennen oder zu unterstützen. Viele Finanzierungs- und Verwaltungsmodelle wurden für Projekte mit klaren Ergebnissen und kurzen Zeitplänen konzipiert, nicht für langfristige, beziehungsorientierte Arbeit, die schrittweise wächst. Infolgedessen spiegeln die Strukturen, die Künstler und kleine Organisationen unterstützen sollen, oft nicht die Realitäten zeitgenössischer kreativer Arbeit wider, sodass sowohl Künstler als auch Verwaltungsfachleute unnötige Risiken eingehen müssen.

Die Kosten der Stagnation
So setzt sich Stagnation fest. Organisationen bleiben im Überlebensmodus gefangen, beantragen immer wieder Fördermittel, anstatt sich zu vertiefen und gemeinsam mit den Gemeinschaften, denen sie dienen sollen, weiterzuentwickeln. Expansion wird unmöglich. Nachhaltigkeit wird auf unbestimmte Zeit verschoben.

Was sich ändern muss
Institutionen müssen die Künstlerhonorare als primäre Betriebskosten behandeln, nicht als frei verfügbare Ausgaben. Künstler sind keine Begünstigten; sie sind Arbeitskräfte. Kein Gehalt für Führungskräfte, kein Produktionsbudget und kein institutioneller Auftrag existiert ohne künstlerische Arbeit im Zentrum. Die Vergütung von Künstlern an erster Stelle zu budgetieren, ist kein Idealismus – es ist ethische Infrastruktur.

Gleichzeitig müssen Künstler damit beginnen, den Wert ihrer Arbeit über bloße Sichtbarkeit oder interne Prozesse hinaus zu artikulieren. Dazu gehört, ihre Positionierung innerhalb des Kunstökosystems konkret zu definieren – nicht nur, was ihre Arbeit bewirkt und wem sie dient, sondern auch, wie sie im Laufe der Zeit Wachstum generiert.

Wenn Kunst deutliche Anzeichen für einen progressiven Wandel zeigt, muss sie entsprechend mit Ressourcen ausgestattet werden. Präsenz und Erforschung allein bedeuten nicht automatisch Wirkung. Geistiges Eigentum, Arbeit und langfristiger Beitrag tun dies jedoch. 

Diese Dynamiken wirken sich nicht auf alle Künstler*innen gleichermaßen aus. Von Frauen – insbesondere von denen, die Organisationen leiten oder in der pflegeorientierten, gemeindebasierten Kunst arbeiten – wird oft erwartet, dass sie finanzielle Instabilität im Namen der Mission hinnehmen, von Führungs- bis hin zu Verwaltungsaufgaben. 

Eine Zukunft, in der Künstler bestehen
können Trotz dieser Herausforderungen beginnen sich von Künstlern geführte Modelle zu entwickeln. Diese Modelle integrieren geistiges Eigentum, berufliche Weiterentwicklung, Vergütung, Wirkung und Nachhaltigkeit in einem einzigen Rahmen. Diese Modelle bestehen, weil sie eine Zukunft bieten, in der von Künstlern nicht erwartet wird, ihre Würde zu opfern.

Kunst entwickelt die Gesellschaft weiter. Aber Vorstellungskraft allein kann kein Ökosystem aufrechterhalten. Wenn wir echtes Wachstum wollen, muss der Wert, den Künstler schaffen, die Grundlage der Strukturen bilden, die von ihnen abhängen.

Die Frage ist nicht, ob Kunst notwendig ist – sondern ob unsere Systeme tatsächlich darauf ausgelegt sind, das Wachstum zu unterstützen, das Künstler ermöglichen.